jueves, 2 de julio de 2015

Mimo o pantomima


Introducción

La pantomima es un método audiovisual que se usa para enseñar claramente mensajes de todo tipo a nuestro auditorio independientemente de su edad. La pantomima es un drama completo que puede usar uno o más mimos. Se dice que es un método audiovisual que se acompaña de pistas musicales que van de acuerdo con la trama de la pantomima. La pantomima es un drama completo, hecho a base de mímica.

La pantomima es clara, muy entendible, aunque varía un poco de acuerdo a la edad de quienes están viéndola. Cuando estamos presentándola a los niños se ocupan más ayudas visuales y se debe narrar. Con los jóvenes no son necesarias tantas ayudas y se narra sólo si se cree que es indispensable para el mejor entendimiento de lo que se quiere comunicar. Para que una pantomima tenga éxito es necesario que sea divertida, interesante y que no dure demasiado tiempo ya que quienes están viendo pueden aburrirse, dejar de poner atención y perder el mensaje que les queremos dar.

Los orígenes de la pantomima

La pantomima es un método que se viene haciendo desde la Edad Media. Todo comenzó en Italia con lo que ellos llamaban la “Comedia dell´arte”, que ahora es la comedia del arte. Había unas compañías de teatro “ambulantes” que iban de pueblo en pueblo presentándose en las calles, plazas y lugares públicos. Ellos hacían obras improvisadas, picarescas. Usaban máscaras, que fueron cambiando hasta que comenzaron a usar harina y polvo en la cara, una práctica que evolucionó y dio lugar al maquillaje que hoy usan los mimos. Sus vestuarios eran de colores vivos y brillantes.

Uno de los personajes clásicos de la comedia del arte es el Arlequín que se puede decir es el padre de la pantomima. El personaje del Arlequín pasó de la comedia latina y llegó a ser bufón de la pantomima francesa, y de allí lo tomaron los ingleses y poco a poco se extendió por todo el mundo y ahora nosotros podemos seguir con esta clásica tradición teatral.

En la pantomima existen dos grandes maestros contemporáneos, cuyos estilos y métodos podemos seguir.

Charlie Chaplin. Ganó su fama mundial como un genio de la mímica, considerado como uno de los cómicos mejores de todos los tiempos. Él creó el personaje del vagabundo soñador, con un pequeño bigote, sombrero, bastón, un saco muy chico y pantalones muy grandes. Sus técnicas son usadas por los mimos cómicos.

Marcel Marceu. Maestro de la pantomima, se le ha llamado el mejor mimo del mundo. Usa una combinación de ballet, suavidad de movimientos y mímica para crear sus pantomimas excelentes. Hace que las personas que lo están viendo vean claramente los objetos que está representando. Sus técnicas son las más usadas en el tipo de pantomima que nosotros hacemos.

El Maquillaje

El mimo se caracteriza por tener la cara blanca con detalles de otros colores que hacen que sobresalgan los gestos. Como primer paso debes ponerte un poco de crema para crear una película grasa que impida a los otros maquillajes atacar tu piel.

Después de esto aplica una capa delgada de maquillaje blanco. Se pueden utilizar las típicas barras de maquillaje que venden en las tiendas de carnaval, o bien “pan cake” blanco, que aunque es un poco más caro, te dará mucho mejores resultados. Esta capa debe darse fina y uniforme sobre toda la cara hasta que se haya formado un óvalo sobre el rostro, q puede llegar a cubrir o no, el cuello y las orejas. Si el lugar donde vas a estar es muy caluroso o el programa es muy largo, se recomienda que como siguiente paso te pongas una capa de talco para niños para que el maquillaje no se escurra.

Lo que se hace a continuación es hacer los detalles en los ojos. El propósito de estos detalles es hacer que sobresalgan. Esto se hace con delineador para ojos negro liquido, con el que debes hacer rasgos finos y detallados. También puedes usar barras de maquillaje negro, si quieres un efecto más cubriente y grande.

Los labios se pueden pintar con lápiz labial rojo (para las mujeres) o lápiz para cejas negro (para los hombre). También con las barras ya mencionadas con anterioridad. De acuerdo a tu gusto o al personaje que representas puedes pintar otros detalles en tu cara, por ejemplo, lágrimas, estrellas, un corazón sucio o limpio, una cruz, o rayos. La cara de Satanás puede estar manchada de pintura roja representando sangre o como una calavera.

Con el mismo lápiz para cejas negro ahora puedes hacer una raya delgada alrededor de todo el óvalo blanco de maquillaje, a fin de que resalte más tu cara. Ahora lo único que te faltará para tener la cara de un mimo es una sonrisa.

Para quitar el maquillaje después de tu actuación puedes usar toallitas desmaquillantes y leche limpiadora, y después de esto agua y jabón. Como los niños creerán que el mimo es un personaje mágico y especial, nunca debes desmaquillarte enfrente de ellos ya que destruirás el efecto hermoso del mismo.

El Vestuario

El vestuario es una parte importante para la pantomima, ya que ayuda a mejorar la impresión visual de todo el equipo. Un equipo, por muy profesional que sea, si no tiene un vestuario adecuado y bueno, pierde mucho de su impacto. El equipo debe estar uniformado, con ropa cómoda, que facilita la libertad de movimientos. Las faldas y los pantalones no deben ser muy apretados, y es mucho mejor usar tenis que zapatos.

El equipo debe verse bien y por esto debe tener una uniformidad en los colores de su uniforme. Los colores clásicos del mimo son el negro, blanco y rojo, y con estos tres colores se puede hacer muchas combinaciones. Pueden usar playeras blancas con falda o pantalón negro, playeras rojas, camisas blancas con diseños abstractos en negro. Los tirantes dan un toque especial, igual que los chalecos, las gorras y las boinas. En fin usa tu imaginación.

Pero sin importar el tipo de vestuario que escojas, los guantes son imprescindibles. Son muy necesarias para que las manos resalten y se noten más los gestos de éstas. Si tú y tu grupo quieren ser un buen equipo de mímica, los guantes son un gran porcentaje de la importancia del vestuario.

El sainete criollo


El tango cantable fue una presencia central en el espectáculo porteño, tras diferentes influencias logró ser interpretado de varias formas, algunas fueron la revista porteña y el sainete porteño o  "zarzuelismo criollo".
Sus intérpretes fueron actores y cantantes que incorporados a las piezas teatrales lograban desdibujar la frontera de una u otra profesión.

El auge del teatro popular sucedió en 1852, cuando comenzaron a incluirse en la cartelera a compañías extranjeras. Paulatinamente, se inició una especie de apropiación de los géneros de expresión hispana: la revista, zarzuela y el sainete. Así, se pusieron en    escena piezas en un acto con bailes, cantos y coreografías, dando origen al sainete criollo. El precursor de este movimiento artístico fue un actor español llamado Santiago Ramos que entonó por primera vez un tango en la obra “La cabaña del tío Tom”, en 1856.
El sainete criollo se caracterizó por su música y su consigna: entretener y moralizar. Existieron dos etapas en el sainete, en la primera se vinculó con la fiesta y la segunda fase fue lo tragicómico.

Alberto Vacarezza fue uno de los saineteros más importantes de la época. Su primera obra fue “El jugador” en 1903, pero su obra póstuma fue “Los escruchantes” en 1911. A éstas, se le suman éxitos como “Juanito de la Ribera”, “Tu cuna fue un conventillo”, “Cuando un pobre se divierte”, “Palomas y gavilanes”, “Cortafierro” o “El conventillo de la Paloma”. Los tangos que escribió para el sainete: “Padre nuestro”, “La copa del olvido”, “El carrerito”, “Botines viejos”, entre otros.
En 1918, en el primer cuadro de la pieza teatral “Los dientes del perro”  de José González Castillo-Alberto Weisbach, Manolita Poli cantó “Mi noche triste” (de Samuel Castriota y Pascual Contursi), considerada pieza fundadora del género del tango canción.

Otras obras importantes: “Gabino el mayoral”, “Fumadas”, “Sainete de divertimento y moraleja”, “El conventillo de la paloma” y “Tu cuna fue un conventillo”.
A partir de los años 30 el sainete declina, pero paralelamente el tango aborda su mejor momento con  nuevos compositores y poetas.

El reinado del sainete en la historia argentina se extendió hasta los años 60.

Hoy en día existe muy poco de ellos en la cartelera argentina, no obstante hay una clara tendencia de nuestro teatro en recuperar el tango. 

BREVE HISTORIA DEL TEATRO EN ARGENTINA

Antecedentes y primera etapa del teatro argentino


El Teatro en Argentina como antecedentes históricos relacionados en este aspecto una gran diversidad de ritos indígenas, ceremonias aborígenes, algunas manifestaciones africanas y expresiones coloniales y poscoloniales de origen americano y español. A finales del siglo XIX comenzó a tomar fuerza una estructura teatral como tal y así nació del circo criollo, manifestando una representación eminentemente popular, mezclando elementos llegados de diversas disciplinas dramáticas como el monólogo crítico y sátiro cuya base se estructuraba narrando sucesos y costumbres del pueblo y en muchos casos contra algún gobierno establecido. También tomaron fuerza en esta época expresiones narrativas como la pantomima y la farsa.
El teatro en Argentina comienza a tener gran reconocimiento a través de expresiones muy puntuales y particulares que son; el sainete (obra teatral jocosa y dramática de carácter popular que usualmente se mostraba en el intermedio de una función o al final de la misma).

A partir del año de 1783 Hubieron varias expresiones llevadas a cabo en la Casa de Comedias propuesta por el virrey de las Luces en honor al Virrey Vertiz. Tiempo después cuando Juan Manuel se encontraba como líder de un gobierno absolutista comenzó a tomar fuerza la petite El Gigante Amapolas, de Juan Bautista Alberdi, obras indispensables ya que dan forma y cuerpo a elementos que tendrán trascendencia en la historia del teatro argentino como son lo absurdo y lo grotesco en la dramática de este país.

El concepto de drama gauchesco toma fuerza 1884 con Juan Moreira en forma de pantomima naciendo básicamente del arte circense. Este mágico y magnífico ciclo se cierra en 1886, al estrenarse una obra indispensable llamada Calandria de Martiniano Leguizamón.

Buenos Aires por esos tiempo acogía una gran cantidad de inmigrantes quienes buscaban mejores oportunidades de trabajo y estabilidad económica y laboral, de estos personajes en especial de los españoles llegó con fuerza el sainete, que era un estilo teatral que como dijimos anteriormente basa su estructura en expresiones jocosas y sátiras de la cual se dio origen al sainete criollo.

Siglo XX

En el siglo XX y más específicamente en sus comienzos la actividad teatral comenzó a tomar mucha fuerza. Una gran variedad de compañías comenzaron a estrenar obras de gran calidad y puestas en escena inaugurándose de gran nivel técnico y argumental ésta etapa del teatro argentina es conocida como la época de oro con grandes figuras como Gregorio de Laferrere, Florencio Sanchez y Roberto J. Payró. Aproximadamente durante treinta años tomaron fuerza diversos estilos teatrales como el sainete criollo, la gauchesca, la comedia de costumbre alcanzando su más alto lugar con Armando Discépolo entre otros grandes del género.

El Teatro Independiente que en 1930 toma impulso basa su origen en el teatro del pueblo cuyo objetivo es mostrar otras obras de gran calidad imponiendo una propuesta crítica y superior en muchos casos al teatro comercial. Este gran movimiento logró extenderse por todo Argentina y tomó cada vez más y más fuerza con el pasar de los años. Algunos autores como Aurelio Ferreti, Carlos Gorostiza, Osvaldo Dragún, entre otros dieron un estilo único y original a la dramática argentina.

El 28 de julio de 1981 Una ambiciosa y magnifica propuesta denominada teatro abierto comenzó su trayectoria con tanta fuerza que se ha logrado mantener incluso hasta hoy y se han sumado nuevos autores, actores y directores. Esta iniciativa a tenido gran acogida eco en ciudades como Tucumán, Santa Fe, Córdoba, La Plata, Rosario Mendoza, mar del Plata, Buenos Aires, etc. De manera paralela han surgido nuevos y excelsos autores como Carlos País, Mauricio Kartun, Enrique Morales, Daniel Veronese etc. que le siguen dando fuerza y e ideas frescas y perdurables al teatro de Argentina.

El arte y el teatro en la antigüedad

En la Grecia clásica, Roma, la Edad Media y el Renacimiento la destreza era considerada una habilidad divina, tanto para construir un ob...